Die Begegnung mit dem Werk

Le Regard Libre Nr. 70 - Vinciane Vuilleumier

Serie «Außerhalb des Rahmens», Episode 1

Jeden Monat, der Künstler Malerin Vinciane Vuilleumier untersucht die Thematik unserer Beziehung zu Bildern und Kunsträumen. Was geht in uns vor, wenn wir einem ästhetischen Objekt begegnen? Wie verstehen wir diese Beziehung, die wie eine heimliche Idylle wirkt, wenn sie aufrichtig ist? Adieu, Pedanterie und Museumsinstitutionalismus. Willkommen zu einer verrückten Serie, die dem Titel Ihrer Zeitschrift, Le Regard Libre, eine neue Bedeutung verleiht. Le Regard Libre.

«Ich werde die Verfolgung, die Suche nach wunderbaren Illusionen fortsetzen. Es würde mehrere Leben dauern, um ihre Faszination auszuschöpfen. Vielleicht bräuchte es nicht weniger, um sie so einfach heraufzubeschwören, dass der Leser vergisst, wer spricht, die Worte selbst, und in einem Zug das Glück erreicht ...» (Philippe Jaccottet)

Die Konturen sind heute verschwommen, aber das Herz des Bildes ist noch immer mit voller Kraft vorhanden: Ich brauche nur die Augen zu schließen, und der Lichtschleier, den sie mit einem leichten Arm über ihrem Kopf hält, taucht in einem lebhaften Schwung auf, dieser doppelte Schleier, der das Licht einfängt und den Schatten erzeugt, der sich wie ein glühender Bogen von der Pflanzenwand, die den Horizont abschließt, abhebt.

Ich habe es schon so oft betrachtet, dieses Gemälde von Edmond de Pury. Ich habe diesen großen, stillen Saal des Musée d'Art et d'Histoire de Neuchâtel besucht und wieder besucht, wo es - zwar in einem Winkel, aber das ist eine Frage der Perspektive - wunderschön eingerahmt von der Türflucht steht, die uns auf der linken Seite erwartet, wenn wir die imposante Treppe hinaufgestiegen sind, die von den drei Wandgemälden von Léo-Paul Robert überragt wird. Ja, es ist ein kostbarer Moment, dieser fast unscheinbare Moment der die Ankunft auf der Etage. Der Körper ist von der Anstrengung leicht aufgewärmt, man überschreitet eine Schwelle und der Geist ist noch in dem Zustand vor der entscheidenden Entscheidung, ob man den Rundgang links oder rechts fortsetzen soll. Man dreht den Kopf, um die Optionen abzuwägen, und die Jahrhunderte der westlichen Schriftkultur fordern uns mechanisch auf den Raum lesen von links nach rechts - das ist doch ganz natürlich, oder? 

Und dann, ganz plötzlich, diese wunderbare Enfilade, diese zentrale Perspektive, in der der Fluchtpunkt von einem Werk bewohnt wird, einem bescheidenen, aber leuchtenden Werk, einem dreifach gerahmten Werk. Und diese sehr einfache Geste der räumlichen Anordnung, diese Geste, die den Blick einlädt und eine Begegnung auf Distanz schafft, setzt eine spezifische Dauer in Szene: die Dauer des Körpers, der sich entscheidet, sich zu nähern, eine erste Schwelle zu überschreiten, einen ersten Raum zu durchqueren und dabei zu vergessen, wegzuschauen - dieser Körper, der ganz von dem magnetisierten Blick bewohnt wird, von dem Blick, der besser sehen will -, eine neue Schwelle zu überschreiten, um schließlich zum Fuß des Bildes zu gelangen, ihm gegenüber, in diesem minimalen Abstand, der die Möglichkeit eines echten Austauschs, eines intimen Dialogs erahnen lässt. 

Diese Geste verkörpert also für mich das immense Feld der Möglichkeiten bei der Reflexion über den Raum des Kunstwerks. Sie ist niemals harmlos. Er ist manchmal, allzu oft, der große Vergessene bei der Begegnung zwischen Besucher und Werk. Aber ein Raum, den man vergessen hat zu berücksichtigen, ist kein neutraler Raum - er ist immer nur ein vergessener Raum, und die Begegnung findet so gut wie möglich statt, immer bedingt durch den Abwesenden. 

Der Besucher ist kein Geist. Der Besucher ist ein Körper. Das Museum ist keine Schnittstelle, sondern ein Medium. All das zu berücksichtigen, was der Körper erfährt, wenn er sich den Werken gegenübersieht, all die unbedeutenden Details, die der Geist auf seiner manchmal hektischen Suche nach Informationen - sprachlichen Inhalten - in der bewussten Konfiguration, die er aus seiner Erfahrung macht, vergisst, ist eine Aufgabe, die mir gefällt: Und in den Berichten, die ich schreibe, den Berichten meiner Begegnungen, werde ich so weit wie möglich versuchen, dem Leser diese Sensibilität für die vielen Dimensionen, die unzähligen Modalitäten der Begegnung mit der Kunst. 

Wenn ich ein Museum besuche, schaffe ich gerne VorsprüngeIch bin nicht daran interessiert, von einem Werk zum nächsten zu springen, wenn ich durch die Ausstellungsräume gehe - ich scrolle bereits viel zu viel auf meinen digitalen Schnittstellen. Scrollen ist die Zeitlichkeit des Augenblicks; damit ein Inhalt in einer Abfolge augenblicklich ist, muss er anders sein als der vorhergehende - lassen Sie uns das etwas besser artikulieren, die Zeitlichkeit des Augenblicks wird durch die Abfolge von der andere unaufhörlich. Diese Zeitlichkeit ist im Alltag, in verschiedenen Kontexten und für verschiedene Zwecke nützlich. Im Museumsraum bevorzuge ich jedoch eine Zeitlichkeit, die durch die Aufrechterhaltung des sogarKörperlich kann dies durch das Sitzen auf einer Bank ausgedrückt werden - welch seltenes Glück, dass es in den Museumsräumen Bänke gibt! Die Bank, diese Materialisierung der Pause, bietet dem Körper Dauer, und diese Zeitlichkeit entsteht anlässlich einer Bank und unterbricht den linearen Weg des Körpers, der durch den Raum von einem Werk über das Kartell zum nächsten Werk transitiert.

Die Bank als räumlicher Operator bietet also die Dauer einer Pause an. Wenn der Blick über einen längeren Zeitraum auf ein und dasselbe Werk gerichtet ist, dann berührt das Bild das Innerste, jenseits des verbalisierten Denkens, das die Informationen manipuliert, berührt es die Vorstellungskraft. Unabhängig davon, wie wenig oder wie viel historische Informationen über ein Werk zur Verfügung stehen - wir sind oft auf der mageren Seite, aber das ist meiner Meinung nach auch gut so -, kann die Vorstellungskraft Wunder bewirken. Wie soll das gehen? Indem sie mit Assoziationen spielt.  

Fortsetzung folgt...

Schreiben Sie der Autorin: vinciane.vuilleumier@leregardlibre.com