Ein leuchtend makabrer Tanz

Le Regard Libre Nº 52 - Ivan Garcia

Im Théâtre de Vidy besetzt der Tod die Bühne in Forever, Eine Aufführung zwischen Tanz und Musik, die unsere Beziehung zur Endlichkeit unserer Existenz sowie zur Möglichkeit des ewigen Lebens enthüllt.

«Tod ist Tod», Auf dem Blatt zu Tabea Martins neuer Show ist zu lesen: "Ich bin ein Mensch, der in der Lage ist, die Welt zu verändern, Forever. Ein mysteriöses Zitat, das auf dem Papier einem Kind zugeschrieben wird, Elias, Schüler der 5. Klasse in Basel. Die professionelle Choreografin Tabea Martin hat mit Kindern im Alter von acht bis zwölf Jahren gearbeitet, um ihre Sicht auf den Tod zu erforschen, was auf der Bühne zu einem erstaunlichen ästhetischen Ergebnis führt. 

Sobald die Zuschauer den Saal betreten, ertönt leise, zärtliche Spieluhrmusik, die an die Kindheit aller erinnert, und das Publikum nimmt in den Sesseln Platz, während die Melodie es in andere Welten entführt. An diesem Tag besetzten einige Schulklassen die ersten Sitzreihen im Saal. Als das Licht und die Musik schwinden, hebt sich der Vorhang für fünf Tänzer, die halb in Weiß gekleidet sind und deren Haltung und Eleganz die Zuschauer vermuten lassen, dass es sich um Gottheiten handelt. Die fünf Schauspieler-Tänzer - die während der Aufführung ihre «echten» Namen beibehalten - schwingen sich zu einem Walzer aus Bewegungen und Gesten auf, der nicht nur das Auge erfreut, sondern uns auch in eine fantastische Geschichte hineinzieht, den Kampf zwischen Leben und Tod in einem imaginären Land. 

Der Tod als Gast auf der Bühne 

Auf der Bühne erklärt eine junge Frau namens Tamara dem Publikum, dass sie ihren Tod nachspielen wird. Sobald sie das sagt, führt sie anmutig verschiedene Bewegungen zu Vivaldi-Musik aus, bevor sie in Ohnmacht fällt und ihren Tod vortäuscht. Dies tut sie mit subtilen Variationen dreimal hintereinander. Die Aufführung besteht darin, dass jeder Tänzer mit seinem Tanz nacheinander seinen Tod erzählt. Diese Tänze werden durch das Bühnenbild und die Raumaufteilung auf geniale Weise hervorgehoben. Die Bühne materialisiert einen ewigen Ort, an dem die Schauspieler bleiben, wie einer von ihnen sagt, «immer da, für immer». Wenn man diese Worte hört, muss man unweigerlich an den berühmten Hinter verschlossenen Türen von Jean-Paul Sartre, in dem sich drei Personen in einer bescheidenen Wohnung, die angeblich die Hölle ist, gegenseitig zerfleischen. 

Außer in Forever, Das Bühnenbild und die Kostüme, die sehr weiß und schlicht sind und die Perfektion der Körper in Sichtweite bringen, entführen uns in eine Art künstliches Paradies, in dem zwei widersprüchliche Kräfte entfesselt werden: Ordnung und Chaos. Diese Widersprüchlichkeit nährt das von Veronika Mutalova entworfene Bühnenbild, das auf einem ausgeklügelten System von Fäden beruht, die vertikal über die Bühne gespannt sind und an deren Ende manchmal Gegenstände hängen - Tierkadaver, Kanister, Kugeln... Im Hintergrund stehen große weiße Luftballons, die darauf warten, dass die Tänzer sie - später - benutzen, um sich zu schwingen oder sie sich gegenseitig zuzuwerfen. Die an den Fäden befestigten Gegenstände werden von den Tänzern benutzt, um Effekte zu erzielen und ihre Bewegungen zu beleben, z. B. zieht einer der Tänzer eine an einem Faden hängende Kugel, wodurch das Licht eingeschaltet wird, oder ein anderer nimmt einen mit Blut gefüllten Kanister, wie auf dem Etikett angegeben, und bespritzt damit seine Mitspieler. In diesem Proto-Paradies scheint es, dass es trotz der Perfektion den Tod gibt. Zunächst verborgen, erscheint er schließlich direkt auf der Bühne. 

Tanz als Zusammenkunft 

Während das Ballett weitergeht, fällt schließlich einer der Tänzer in Ohnmacht: «Er ist tot», In Wirklichkeit ist er es aber nicht. Nach einigen energischen Wiederbelebungsmaßnahmen wird er schließlich wieder zum Leben erweckt. Das Stück wurde mit Hilfe von Kindern und für Kinder geschaffen, und die Schauspieler zögern nicht, das Publikum, in diesem Fall Schulklassen, in ihre Aufführung einzubeziehen. Während einer fiktiven Beerdigung, die pantomimisch erzählt wird, nehmen die Tänzer Schulkinder aus dem Publikum mit auf die Bühne. Sie trauern um einen Toten, den sie erst seit kurzem kennen, und werfen Blumen für ihn. 

Die Tänzer, die manchmal ein bisschen albern, manchmal ein bisschen grausam sind, wechseln zwischen perfekt rhythmischen Solo- und Gruppentanzphasen und «Kampf»-Sitzungen, bei denen die Bühne zu einem riesigen Schlachtfeld wird. Eine der Tänzerinnen schreibt nach und nach Wörter auf Teile des Bühnenbildes, die sie dann dem Publikum zeigt. Dabei kann es sich um eine Art thematische Kategorisierung oder einen Kommentar zu den Szenen handeln, die vor unseren Augen ausgebreitet werden. Auf tänzerischer Ebene wechselt die Gestik der Tänzer zwischen klassischen Tanzbewegungen - wie der Kapriole oder der Adage - und eher asiatischen oder südamerikanischen Einflüssen mit weniger starren und strukturierten, dafür aber lebhafteren und schärferen Bewegungen. Wie die Aufführung sind auch die ausgeführten Tänze vielfältig und manchmal gegensätzlich, aber zu einem Ganzen vereint, das den Zuschauer in Staunen versetzt und ihn in eine rituelle Dimension eintreten lässt. War die ursprüngliche Funktion des Tanzes, genau wie die der Musik oder des Theaters, nicht der rituelle Tanz, der die Gemeinschaft lobt und feiert?  

Ordnung und Chaos

In ihrer Absichtserklärung zur Aufführung erklärt Tabea Martin, dass’«es gibt viele Möglichkeiten, Unsterblichkeit zu erlangen - eine Familie zu gründen, ein Kunstwerk zu schaffen, sich an politischen Aktionen zu beteiligen. Da wir uns der Endlichkeit des Lebens bewusst sind, versuchen wir, etwas Bedeutsames zu schaffen, das bleibt».» Innerhalb der Aufführung dient der Tanz als Vektor der Vereinigung, der Schaffung einer Möglichkeit zwischen zwei gegensätzlichen Alternativen: Leben und Tod, Yin und Yang oder Schwarz und Weiß. Diese Dichotomien lassen einen nicht gleichgültig und erinnern an Nietzsches Gegenüberstellung von Apollinischem und Dionysischem, die in dem Buch Die Geburt der Tragödie aus dem Geist der Musik. Das Apollinische, dieser ästhetische Trieb der Form, organisiert die Welt, schafft Ordnung, wo das donnernde Chaos des Dionysischen, der ästhetische Trieb der Energie, überläuft und zerstört. Forever ist eine seltsame Verbindung zwischen dem Wunsch, die Schönheit zu tanzen, und der überbordenden Energie, die unsere Wesen verzehrt. 

Neben der physischen Gewalt wird das Chaos mehrmals durch Musik und Lärm in die Aufführung einbezogen - was an Nietzsches Dionysos erinnert -, wenn die Tänzer die Kontrolle über das Chaos verlieren, das wie eine Störung plötzlich auf zufällige und nicht immer anmutige Weise auftritt, manchmal in Form eines ohrenbetäubenden Lärms, der einer Alarmanlage ähnelt. Im Gegensatz dazu versucht die Ordnung, die dem Nietzscheanischen Apollo ähnelt, das ursprüngliche Gleichgewicht wiederherzustellen, indem sie den Überfluss durch Tänze kontrolliert, aber auch durch die Einbeziehung des Publikums, das statisch auf den Sesseln sitzt, um die überbordende Energie zu kanalisieren. Die Ästhetik, die von Forever lässt uns an eine Art’Alice im Wunderland in dem wir anstelle der Herzkönigin und des weißen Kaninchens Götter finden würden, die an einem ewigen Ort in einem ständigen Dilemma gefangen sind: Leben oder Tod.

Tabea Martins neue Kreation ist reich an Bewegungen und Interpretationen, was dem Publikum sicherlich nicht missfällt. Die Choreografin inszeniert eine spielerische und manchmal tragische Fantasie und behandelt ernste und universelle Themen wie den Tod und das ewige Leben durch das Prisma der Gefühle und Empfindungen. Letztendlich lässt die Minderheit der Sprache in diesem Tanzstück dem Zuschauer die Freiheit, das Gesehene zu genießen und seinen eigenen Faden in diesem leuchtend makabren Tanz zu konstruieren.

Schreiben Sie dem Autor: ivan.garcia@leregardlibre.com

Fotonachweis: © Nelly Rodriguez