«Jill»: für eine radikale Nuance

Der erste Spielfilm des Zürchers Steven Michael Hayes lässt uns in das Drama einer amerikanischen Familie am Rande der Gesellschaft eintauchen. Der Film hätte sich damit begnügen können, ein Erfolg zu sein, aber er geht darüber hinaus.

Als Jill (Dree Hemingway) einen Brief von ihrem inhaftierten Bruder erhält, macht sie sich auf, um herauszufinden, wie sich das idealistische Paradies ihrer Kindheit in einen Albtraum verwandeln konnte. Als sie ihre Mutter aufspürt, rekonstruiert sie die Erinnerungen an eine Vergangenheit Ende der 1970er Jahre tief in einem Wald in den USA. Umgeben von einem fordernden Vater, einer unterstützenden Mutter und vier Brüdern, von denen sie die Jüngste ist, erlebt das Kind, wie das Heim allmählich erodiert und nach und nach die Züge eines Gefängnisses annimmt.

Auf den Spuren von Terrence Malick

Zunächst muss man die Arbeit von Steven Michael Hayes an seinem ersten Film loben, der die Gelegenheit, die dieser Rahmen bietet, perfekt nutzt, um seinen Stil zu entfalten: den Stil eines Erben von Terrence Malick, mit seiner schwebenden Kamera, seinen weiten Blickwinkeln, um seine Figuren und die Natur um sie herum zu umarmen. Es gibt auch eine Vielzahl von Standpunkten, die durch langsame und introspektive Off-Stimmen verkörpert werden. Dieser Einfluss kann manchmal etwas zu stark sein, aber dank einer willkommenen Zurückhaltung wird er nie parodistisch oder ekelerregend. Man verneigt sich also vor der Fähigkeit des Filmemachers, sich von seinem Meister zu lösen, indem er es vermeidet, sich in einer Ästhetik zu verlieren, die manchmal keinen anderen Zweck hat, als sich bewundern zu lassen. Hier dient jede Szene einer Handlung und einer Aussage.

Dieselbe Zurückhaltung begleitet auch unsere Figuren. Die Mutter, dargestellt von Juliet Rylance, Der Vater braucht keine Dialoge, um seine Unterstützung für seine Kinder angesichts eines manchmal tyrannischen und gewalttätigen Vaters zu zeigen. Der Vater, der von einem hervorragenden Tom Pelphrey, Er steht immer im Kontrast zwischen dem Schrecken seiner Wutausbrüche und dem Pathos seiner Reue. Die Figur eines gewalttätigen Vaters, der jedoch nicht in der Lage ist, die Hand gegen seine Kinder zu erheben. Jill ist ein intelligenter Film, ein Film, der zur Nuancierung drängt - einer paradoxerweise radikalen Nuancierung.

Die abgeschottete Utopie

Der Film erreicht diese Feinheiten auch deshalb, weil es gar nicht anders sein kann. Die Geschichte baut sich als Konflikt zwischen einem tyrannischen Vater, der die moderne Gesellschaft als Ganzes ablehnt und eine utopische Rückkehr zur Natur bevorzugt, und seinen Kindern auf, die sich zunehmend von der zivilisierten Welt angezogen fühlen. Ein Konflikt, in dem der Zuschauer sofort aufgefordert wird, Partei zu ergreifen. Denn so sehr die Natur auch zu bezaubern vermag, so schnell zeigt uns der Film auch ihre dunklen Seiten: Diese utopische Welt wird nur durch den Hass auf die Zivilisation zusammengehalten.

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Der Vater ist ein Beispiel dafür: Er hängt Verschwörungstheorien aller Art an (ohne dass es ihm an Bildung mangelt), ist davon überzeugt, dass das «Zusammenleben» eine ständige Lüge ist, kann keinem Politiker zuhören, ohne dessen Korruption zu beschuldigen, und versucht nur, seine Familie in der Paranoia, die ihn zerfrisst, einzusperren. Die Utopie ist ein fester Platz, dessen Barrikaden manchmal weniger dazu dienen, sich von der Welt abzuschotten, als vielmehr die Familienmitglieder daran zu hindern, sie zu betreten. Jill stellt sich als ein echtes geschlossenes Zimmer unter freiem Himmel dar, in dem die Bäume als Gitterstäbe fungieren.

Das Prisma des Kritikers

Jeder Film trägt einen Diskurs über das Kino in sich und Jill ist da keine Ausnahme. Hier werden die Herausforderungen um den Vater herum konstruiert, wobei er sich radikal weigert, in der Welt um ihn herum nach Nuancen zu suchen. Der Diskurs des Films entwickelt sich auf diese Weise. Aus diesem Grund vervielfältigt er die Sichtweisen und lässt jede Figur zu Wort kommen. Wie Rashōmon inmitten der Wälder, stellt er hier verschiedene Perspektiven auf die Situation und verschiedene Arten, sie zu erleben, dar. Und vor allem berichtet er von einer Komplexität, die sich seiner Figur, die alles vereinfachen will, entzieht.

Jill gibt eine Lektion in intelligenter Offenheit gegenüber seinem Publikum, die vor allem der Kritiker nicht ignorieren sollte. Wir müssen zugeben, dass der moderne Kritiker, der das Erbe der jungen Türken der Cahiers antritt, sich noch viel zu oft von Polemik leiten lässt. Seine Radikalität ist eine Bequemlichkeit, die nur seiner Person dient, zum Nachteil des Films und seiner Aufgabe. Bedeutet Kritik nicht im Gegenteil, sensibel für die vielen Lichter zu sein, die ein Film ausstrahlen kann? Muss er nicht zwischen denjenigen unterscheiden, die das beste Licht spenden, und diese hervorheben? Was bringt es, bei Tarantino das Prisma der Politik oder bei Hong Sang-soo das Prisma der Erzählung zu wählen? Es wäre verlockend, den Film zu reduzieren auf Jill zu den Codes des Dramas, die der Filmemacher wiederverwendet, ohne sie zu hinterfragen, und dabei manchmal in die abgedroschensten Klischees verfällt. Doch das wäre blind gegenüber dem, was dieser erste Spielfilm zu bieten hat.

Sicherlich könnte man bedauern, dass Jill revolutioniert das Genre nicht. Er hat auch ein paar etwas zu steife und dirigistische Repliken, die darauf bedacht sind, uns zu sagen, was wir von dem, was er uns zeigt, zu halten haben. Dennoch ist er vor allem ein reicher Film, der zur Selbstreflexion und zum Hinterfragen einlädt, ohne jemals zu versuchen, den Zuschauer von oben herab zu behandeln. Durch sein Thema, seine Erzählweise und seine Ästhetik, Jill hat seinen Platz unter den Werken, die versuchen, unsere Barrikaden niederzureißen. Lassen wir ihn also machen, denn er macht es gut.

Schreiben Sie dem Autor: jordi.gabioud@leregardlibre.com

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