David Brulhart: «Abgesehen von den Zeichnungen haben alle Werke Unfälle».»

Nevé ist der ewige Schnee, den man auf den Gipfeln unserer Berge findet. Wir stellen ihn uns superschön und unberührt vor, aber in Wirklichkeit ist er oft grau, schmutzig und zerbrechlich. «Névé» ist auch der Name der Gruppenausstellung, zu der uns David Brülhart, ein hyperproduktiver Freiburger Künstler, und Elise Meyer, die Konservatorin des Museums von Charmey, einladen. Zusammen mit den Künstlern Benoît Billiotte, Lorna Bornand, Cosey, Steve Fragnière: Sval'barde und Laure Gonthier laden sie uns dazu ein, unsere Vorstellung von den Bergen und die Realität auf poetische Weise zu hinterfragen.

Amélie Wauthier: Was war der Ausgangspunkt für diese Ausstellung?

David Brulhart: Im Grunde handelt es sich um einen Künstleraufenthalt im Spitzbergen, im Jahr 2016. Ich war vier Wochen lang auf einem Segelboot unterwegs. Die Idee dieser Künstlerresidenzen war es, die Pole vor ihrem Verschwinden zu dokumentieren, dies jedoch auf poetische Weise. Ich fragte mich, wie ich der Schönheit noch mehr Schönheit verleihen und wie ich dieses Thema bearbeiten könnte, ohne zwangsläufig eine Tourismusbroschüre zu erstellen, um zu vermeiden, dass andere Menschen Lust bekommen, dieses Gebiet zu besuchen. Wenn man dort spazieren geht, hat man ständig das Gefühl, dass ein Meisterwerk in Gefahr ist. Ich wollte kein oberflächliches Kunstwerk schaffen, bei dem ich die Eisberge auf meiner Staffelei direkt vor dem Eisberg zeichne. Ich habe mir zwei Jahre Zeit genommen, um auch meine Technik neu zu beleben und über meine Radierung hinauszugehen – mein bevorzugtes Medium seit zehn Jahren.

Kannst du uns ein bisschen mehr über deine Silbersiebdrucke erzählen, diese berühmten Tränen?

Diese Serie entstand noch vor meiner Abreise nach Spitzbergen. Ich bin mit einem Biologen losgezogen, um meine Tränen in Super-Nahaufnahme zu fotografieren. Was mich bei der Arbeit in den Bergen interessiert, ist das Verhältnis zum Maßstab. Da ist immer diese Vorstellung, das Unermessliche vor sich zu haben, und auf den Karten ist es klein. Ich habe mich auch gefragt: Was verbindet uns mit dem Ozean – oder hier mit der Barentssee? Für mich sind es Salz und Wasser, und wir bestehen aus Salz und Wasser, genau wie unsere Tränen.  Es handelt sich also um eine Serie rund um die Tränen, die man über dieses verschwindende Gebiet vergießen kann. Ich habe weiter mit dem Salz gearbeitet – mit dem Helm, mit dem Stuhl – und außerdem Benoit Billotte eingeladen, der diese Installation aus Salz geschaffen hat.

Warum ein Helm und ein Stuhl?

Die Idee zu diesen beiden Objekten kam mir, als ich in der Camargue war. In den Salinen ragten dicke, mit Kristallen bedeckte Seile aus dem Becken heraus. Das ist sehr eindringlich, sehr kraftvoll, als ob die Natur sich ihr Recht zurückerobern würde. Ich habe mich für das Stuhlmotiv entschieden, weil es in der Ausstellung mehrere Anspielungen auf die Kunstgeschichte gibt. Das Motiv des Stuhls wurde schon oft von Künstlern aufgegriffen – der Stuhl von Van Gogh, der Stuhl von Ai Weiwei… Man findet darin auch den Begriff des Komforts und der Besiedlung eines Gebiets durch den Menschen wieder. Wenn man ein Mensch ist, kann man ein Gebiet nicht besuchen, ohne eine Hütte zu errichten, eine Flagge zu hissen, sei es auf dem Mond, am Nordpol oder im Dschungel. Man hat zwangsläufig das Bedürfnis, zu besiedeln. Und gleichzeitig verleihen diese Salzkristalle, die den Stuhl bedecken, ihm ein Aussehen, das überhaupt nicht bequem wirkt. Salz ist bei uns ein alltägliches Medium, völlig banalisiert, und gleichzeitig sehr abrasiv, sehr zerstörerisch. Also, wieder einmal die Idee, die Natur zu schützen – aber wenn man diesen Helm aufsetzt, hat man das Gesicht voller Blut. Es gibt wirklich diese Vorstellungen von Gefahr und Komfort, die ich in einem Objekt miteinander vermischen wollte.

In deiner Ausstellung gibt es auch Zeichnungen, die auf Seide übertragen wurden…

Jemand in der Ausstellung hatte mir gesagt, es sei eine sehr traurige Ausstellung über den Tod. Ich finde das überhaupt nicht. Es ist eine Reflexion über die Trauer. Melancholie ist nicht unbedingt nur negativ. Tatsächlich spürt man, wenn man sich auf einem solchen Terrain befindet, dass es im Verschwinden begriffen ist. Diese Übertragungen auf Seide sind Leichentücher. Ich habe meine Zeichnungen auf Seidenstoff übertragen, ähnlich wie beim Turiner Leichentuch. Das Abbild, das Phantom, das Verschwinden sind Themen, die mich beschäftigen. Nach und nach sagt einem die künstlerische Arbeit, was zu tun ist. Und ich hatte wirklich große Lust, mich mit dem Phantom des Eisbergs auseinanderzusetzen. Die Faltenwürfe greifen die Idee der Planen auf, die man insbesondere auf den Gletschern der Rhône auslegt, in der Annahme: «Man legt eine Plane darüber, dann schmilzt er nicht.» Ähm, nein. Da muss man vorher etwas tun! Diese Art von ökologischer Lösung ist illusorisch und ein bisschen erbärmlich, denn sie ist reine Augenwischerei.

Die Ausstellung erstreckt sich auch über das Museum von Charmey hinaus. War es dein Wunsch, zusätzliche Ausstellungsorte einzurichten?

Als Elise Meyer, die Kuratorin des Museums von Charmey, mir diese Ausstellung vorschlug, sagte ich sofort, dass ich mir eine Ausstellung wünsche, die die Landschaft von Charmey einbezieht. Das ist ein großartiger Rahmen für diese Ausstellung. Mir war es sehr wichtig, dass es Nebenstandorte gibt, an denen die Besucher die Landschaft direkt vor Augen haben. Außerdem habe ich mir die Beteiligung weiterer Künstler gewünscht, die mit meiner Arbeit in einen Dialog treten. Lorna Bornand zum Beispiel mit ihrer Arbeit über Haare – das ist ein bisschen der Geist der Berge, der Yeti oder die Feen, diese Masken aus dem Lötschental, diese ganze Mythologie. Ich habe außerdem darum gebeten, dass das letzte Gedicht von Jacques Cesa an den Fenstern der Schule von Cerniat zu sehen ist, wegen seiner spirituellen Dimension. Benoit Billotte beschäftigt sich mit dem Kosmos, dem Begriff der Größenordnung. Und dann ist da noch Laure Gonthier, die ebenfalls nach Spitzbergen gereist ist, ein Jahr nach mir. Ihre Keramiken greifen diese Idee eines Territoriums auf, in dem man Spuren hinterlässt. In der Schule von Cerniat habe ich Mini-Skulpturen von Eisbergen geschaffen, auf die man treten kann und die das Geräusch von Schnee imitieren. Da ist dieses Prinzip: zerbrechen, um zu erkennen. Wie bei der Porzellanbibliothek geht es auch hier um Zerbrechlichkeit und Wissen in einem einzigen Objekt. Das Buch ist für mich unverzichtbar. Es ist ein Objekt des Wissens. Und um zu erkennen, müssen Wissenschaftler ein wenig zerbrechen. Ich suchte nach einem Objekt, das diese Begriffe von Wissen und Zerbrechlichkeit vereinen könnte.

Und diese Bücher sind kaputt. Ist das Absicht?

Porzellan ist ein extrem schwieriges Material. Meine ersten Arbeiten waren alle miserabel, fast so, als würden sie schmelzen. Ich lege großen Wert darauf, das Material zu verzerren. Es ist ein Eisberg, aber er liegt auf Seide; es sind Faltenwürfe, aber es sieht so aus, als würden sie schmelzen. Es gibt immer eine Art Dialog zwischen dem Material und dem Objekt. Ich fand es interessant, dass das Buch schmilzt, dass es zerbricht. Deshalb habe ich alle Probedrucke aufbewahrt, die nicht gut geworden sind. Das verleiht der Arbeit eine gewisse Spannung.

Ist das so wie bei der Radierung, wo es meist die Zufälle sind, die den Druck zu einem Unikat machen?

Abgesehen von den Zeichnungen weisen alle Werke Zufälligkeiten auf. Man weiß nie, wie sie am Ende aussehen werden. Was mich an diesem Thema besonders interessiert, ist dieser Gedanke des Umschwungs. Man ist in den Bergen, fährt Ski, wie ein Eroberer der Berge. Plötzlich zieht Nebel auf, es ist ein „weißer Tag“, und alles wirkt bedrohlich. Man spaziert durch den Wald, alles ist wunderschön, und dann bricht die Nacht herein und man hat sich verirrt. Ich liebe diese Situationen, in denen der Mensch in seine Demut zurückgeführt wird. Wenn man zum Beispiel auf Spitzbergen einen Wal sieht, sitzt man da auf diesem winzigen Boot und denkt: „Danke, dass du deinen Ozean mit uns teilst.“ Man spürt die Gefahr, wird wieder mit seinen Urängsten und seinem Überlebensinstinkt konfrontiert. Ich finde diesen Dialog besonders schön, und das ist etwas, das wir in unseren extrem vernetzten und stark urbanisierten Gesellschaften immer mehr verlieren.

Schreiben Sie dem Autor: amelie.wauthier@leregardlibre.com

Bildnachweis: © David Brülhart / Museum von Charmey