Eric Vautrin: «Die Resonanz von Racine auf unsere heutige Zeit ist frappierend».»

Le Regard Libre Nr. 56 - Ivan Garcia

Die Abenteuer der Bühne, Episode #3

Vom 30. Oktober bis zum 10. November 2019 empfängt das Théâtre Vidy-Lausanne mit dem deutschen Regisseur und Dramatiker Frank Castorf einen der großen Namen der internationalen Theaterszene. Als ehemaliger Leiter eines der bekanntesten deutschen Theater, der Volksbühne aus Berlin, kommt Frank Castorf auf die Lausanner Bühne mit einer neuen Kreation unter dem Titel Bajazet. In Erwägung «Das Theater und die Pest» nach Jean Racine und Antonin Artaud. Für diese dritte Episode unserer Serie, Le Regard Libre bietet Ihnen ein besonderes Treffen mit Eric Vautrin, dem Dramaturgen des Théâtre de Vidy. Er hat die Ausstellung Castorf-Machine, das Theater von Frank Castorf in Bildern die noch bis zum 10. November kostenlos in der Kantina des Theaters. Diese ermöglicht es, in die Dramaturgie und das Universum dieses Berliner Regisseurs einzutauchen, der als intellektueller Querdenker und ehemaliger Bewohner Ostdeutschlands gilt und dessen Arbeit von der deutschen Geschichte geprägt ist. Die Ausstellung führt den Besucher mithilfe von Texten, Videos und Bildern in das Herz von Castorfs Theater, um insbesondere dessen Leitlinien, Themen und Arbeitsprozesse zu erforschen. Treffen.

Le Regard Libre: Mit der Schaffung von Bajazet. In Erwägung «Das Theater und die Pest» nach Jean Racine und Antonin Artaud, Es ist das erste Mal, dass Frank Castorf seine Kunst in Lausanne zeigt. Warum hat das Théâtre de Vidy beschlossen, diesen Regisseur einzuladen und ihm eine Uraufführung anzubieten?

Eric Vautrin: Zunächst einmal ist dieses Gastspiel Teil des Projekts von Vincent Baudriller, dem Direktor des Théâtre Vidy-Lausanne, die großen Figuren der europäischen und weltweiten Theaterszene auf der Bühne von Vidy willkommen zu heißen. Unter diesen ist Frank Castorf ein unumgänglicher Künstler mit internationalem Renommee, weshalb sich seine Anwesenheit in Vidy als natürlich und logisch erweist. Es stimmt jedoch, dass es eine spezifischere Geschichte gibt, die ihn betrifft. Castorf war fünfundzwanzig Jahre lang Direktor der Volksbühne in Berlin. Diese Institution ist ein Ensembletheater, d. h. sie beherbergt ein festes Ensemble von Schauspielern und Schauspielerinnen, ein Repertoire an Aufführungen und technische Mittel, die den Regisseuren zur Verfügung stehen. Der Berliner Regisseur hatte also gute Produktionsbedingungen zur Verfügung, um seine Aufführungen zu realisieren. Doch die Stadttheater* wie die Volksbühne haben nicht die Aufgabe, Tourneen für ihre Aufführungen zu organisieren: Die Schauspieler spielen jeden Abend ein anderes Stück aus dem Repertoire und können daher nicht lange wegbleiben - wie schließlich auch die Comédie-Française, um eines der wenigen Beispiele für ein französischsprachiges Ensembletheater zu nennen. Nachdem er die Leitung der Volksbühne 2017 kann Frank Castorf mit Vidy eine Organisation, ein Team und ein technisches und künstlerisches Know-how vorfinden, die denjenigen nahe kommen, die er in Deutschland kennenlernen kann, und die es ihm gleichzeitig ermöglichen, diesmal eine seiner Kreationen auf Tournee zu nehmen - insbesondere im französischsprachigen Raum, da diese Aufführung auf Französisch gespielt wird und anderswo übertitelt sein wird. Schließlich ist Frank Castorf zweifellos einer der bedeutendsten Regisseure des 20.^. Jahrhundert und seine Begegnung mit Vidy im Rahmen dieser Uraufführung und Produktion ist eine großartige Gelegenheit für unsere Institution und die Aufgaben, die sie sich gestellt hat.

Sie sprechen von Ensembletheatern und Tourneen, Dinge, die in der Schweiz fast fremd zu sein scheinen...

Die Theater in der Deutschschweiz funktionieren jedoch nach einem Ensembletheatersystem, das dem in Deutschland ähnelt. Wenn man die Schauspielhaus von Zürich zum Beispiel, oder das Theater Basel, Sie haben ein Ensemble und ein Repertoire. Auch wenn Nicolas Stemann, ein Regisseur, der regelmäßig mit Vidy zusammenarbeitet und jetzt der neue Direktor von Schauspielhaus in Zürich, wird dieses Produktionssystem weiterentwickeln, indem er Koproduktionen und Tourneen entwickelt, während er ein festes Ensemble beibehält.

Zurück zu Castorf: Er ist eine umstrittene Figur auf der internationalen Bühne. Der Dramatiker, der ebenso erfinderisch wie problematisch für die ostdeutschen Machthaber ist, hat auch nach der Wiedervereinigung kritische Werke geschaffen. Er zögert übrigens nicht, sich gegen das, was er als «Gutmenschentum» bezeichnet, zu stellen. Welchen Platz nimmt er in der neuen Saison von Vidy ein, die reich an politischen Werken wie Kriegsmünzen aus der Schweiz von Antoinette Rychner, inszeniert von Maya Bösch, oder Orestes in Mosul von Milo Rau? 

Wenn man Ihnen zuhört, könnte man meinen, dass Frank Castorf ein Polemiker ist. Ich glaube jedoch, dass Castorf, wenn er Aufführungen inszeniert, keinesfalls einen Skandal heraufbeschwören will. Zweifellos stellen Castorfs Aufführungen Fragen und werfen Fragen auf; sie verschieben die herkömmlichen Lesarten der Werke und eröffnen neue Lesarten. Castorfs Theater ist im Grunde genommen einzigartig: Es basiert auf literarischen Texten und folgt ihrem Aufbau und ihrer Struktur, aber er sieht seine Position als Regisseur nicht als die eines Experten, der aufdecken muss, was der Autor wirklich gesagt hat. In seiner Art zu inszenieren hinterfragt Castorf, wie die Texte von Racine, Molière oder Céline in unserer Zeit ankommen: Der Text ist kein Reservoir von Lösungen oder gutem Benehmen, sondern eine Offenbarung, um uns selbst zu erkennen, unsere Grenzen zu erforschen und unsere Freiheit zu testen. In der Regel werden in seinen Aufführungen die Momente hervorgehoben, in denen es Reibungen gibt, die etwas von der heutigen Zeit verraten. Mit anderen Worten: Dramatische Spannung entsteht nicht, wenn ein Regisseur das Publikum provozieren will, sondern wenn eine Aufführung Fragen unserer Zeit neu formuliert und das Publikum sie aufnimmt. Für Castorf ist das Theater eine Möglichkeit, die Probleme, mit denen wir in unserer Zeit konfrontiert sind, anders zu formulieren, wie ein Kabarett, in dem man sich über die ernsten Dinge unserer Zeit amüsiert: Das gibt Kraft und belebt die Fantasie. 

In seiner Art zu inszenieren hat Castorf viele verschiedene Textsorten berührt (Dramen, Romanadaptionen, Filmdrehbücher, ...). Wie könnten Sie seine Entscheidung erklären, sich auf Bajazet, Die Tragödie von Jean Racine, dem Inbegriff des französischen Klassizismus? 

Die Gründe, warum sich ein Künstler für ein Werk und einen Autor entscheidet, sind vielfältig. Wenn man sich seine bisherigen Auftritte ansieht, scheint die literarische Gattung der Texte weniger relevant zu sein als die Art der Erzählung. Er hat sich hauptsächlich mit Texten des «großen XX^. Jahrhundert», das mit Goethe oder Balzac beginnt und mit Elfriede Jelinek oder Michel Houellebecq endet. Dieses Jahrhundert ist unter anderem das Jahrhundert des Aufkommens des Kapitalismus, das Jahrhundert, das mit Freuds Entdeckung des Unbewussten beginnt, das Jahrhundert Einsteins und der Relativitätstheorie und das Jahrhundert der großen politischen und ideologischen Bewegungen, die versucht haben, den Menschen, die Natur und die Gesellschaft zu beherrschen. Castorf hat zahlreiche Texte inszeniert, die an ihren Rändern die Folgen dieser verrückten Versuche des Menschen beschreiben, seine Existenzbedingungen mit Gewalt zu beherrschen, «die Idee dem Realen aufzuzwingen», wie der Philosoph Alain Badiou es ausdrückt. In Bezug auf Bajazet, Das ist gar nicht so unterschiedlich.

Was meinen Sie?

Erstens ist Racine der klassische französische Autor par excellence, so sehr verwebt sein Schreiben Klang, Syntax, Grammatik und Vokabular miteinander, dass sich nur sehr wenige ausländische Regisseure an die Inszenierung seiner Stücke gewagt haben, sei es auf Französisch oder in einer Übersetzung. Das zweite, interessantere Element ist, dass Bajazet Racine nutzt eine Form der Distanzierung, um über das Frankreich seiner Zeit zu sprechen, indem er die Fabel im Serail des Großsultans in Konstantinopel ansiedelt. Diese dramaturgische Entscheidung verlagert die Handlung des Stücks an einen weit entfernten Ort - so kann er das Chaos, das entsteht, wenn Leidenschaft und Macht miteinander verschmelzen, freier beschreiben und gleichzeitig die Möglichkeit der Reinheit menschlichen Handelns in Frage stellen. Die damalige Türkei ist auch ein wenig bekanntes Land, und sein Text spielt mit den Klischees seiner Zeit über die arabische Kultur, den Islam und den vermeintlichen Despotismus des Sultanats. Dies ist heutzutage umso interessanter, da die europäischen Klischees über die Türkei fortbestehen. Die Resonanz des Textes von Rassin auf unsere heutige Zeit ist frappierend; sie wirkt sich auf das aus, was wir über die Türkei zu wissen glauben, und im Gegenzug auf die Art und Weise, wie wir uns als Europäer definieren. Drittens und letztens ist zu betonen, dass in Racines Texten fast nichts anderes geschieht als Worte mit tragischen Folgen. Mit anderen Worten: Die Figuren handeln weniger, als dass sie mit ihren Worten zerstören. 

Was meinen Sie?

Am berühmtesten ist wohl Phädras Geständnis: Sie begeht nichts, sie ist dreimal schuldig - sie gesteht dreimal ihre Leidenschaft für Hippolytos, ohne einen weiteren Fehler zu begehen. Ihr einziges Verlangen ist jeden Verrat wert. Mit Racine wird das Theater zum Ort der Macht des Wortes: Sagen heißt tun, könnte man in Paraphrase der Formel sagen. Genauer gesagt: Racines Figuren treten aus sich selbst heraus, entfliehen den Rollen, die ihnen die Gesellschaft zuweist, und erlangen durch das Wort ihre persönliche und intime Freiheit. Während der Vorbereitungen wies Frank Castorf darauf hin, dass sich das Wesen bei Racine durch das Wort von sich selbst befreit, indem es sein Verlangen akzeptiert und so die Zwänge und Zufälligkeiten, in denen es gefangen ist, durchbricht. Sowohl bei Racine als auch bei Castorf stellt das Theater die soziale Struktur und die menschliche Freiheit in Frage. So erklärt sich auch die Verbindung zu Antonin Artaud, einem französischen Dichter und Theatermann, dessen Werk alle Rahmen seiner Epoche - der dreißiger und vierziger Jahre - sprengte: Artaud beschwört die Sprache buchstäblich herauf, um, wie er sagt, zu sich selbst wiedergeboren zu werden, um zu werden, wer er ist. Castorf schafft so eine unerwartete, aber spannende Verbindung zwischen zwei großen französischen Dichtern, die zwei Jahrhunderte voneinander getrennt sind.

Schließlich haben Sie, der Sie Dramaturg sind und diese schöne Ausstellung realisiert haben Castorf-Maschine, Könnten Sie versuchen, Castorfs Theater für Personen zu beschreiben, die den Regisseur nicht kennen, und dabei Dinge erwähnen, die wir vorher in diesem Gespräch nicht erwähnt haben?

In gewisser Hinsicht ist das Leben, das wir heute in Europa und der Schweiz leben, auf Ausschlüssen aufgebaut. Wir sind Vertreter und Verkünder der Menschenrechte, obwohl wir wissen, dass wir nur so leben können, wie wir leben, weil ein Großteil der Weltbevölkerung keinen Zugang zu diesen Rechten hat, d. h. zu einem Leben in Würde als Mensch. Überall auf der Welt führen unsere wirtschaftlichen Interessen zu Kriegen und Konflikten; wir wissen das, aber wir finden uns damit ab. Auch innerhalb unserer Länder gibt es immer größere soziale und lohnbezogene Ungleichheiten, und wir tun wenig dagegen. Wir leben teilweise von der Ausgrenzung derer, die anders sind als wir selbst, und das ist eine Quelle aktueller und zukünftiger Gewalt. Bei Frank Castorf gibt es zwei Elemente, die diese Realität widerspiegeln. Erstens fordert er eine «Kultur der Verbindung», d. h. wenn wir uns nicht bemühen, uns mit dem auseinanderzusetzen, was wir nicht kennen und was sich grundlegend von uns unterscheidet, können wir nur mit immer mehr Gewalt rechnen. Das Theater kann ein Ort sein, an dem eine neue Beziehung zur Andersartigkeit, zu Denk- und Lebensweisen, die uns fremd sind, aufgebaut wird.

Was ist mit dem zweiten Element?

Die Überwindung unserer Angst. Wenn wir etwas besitzen - sei es eine Familie, ein Haus oder ein kleines Vermögen - entsteht die Angst, es zu verlieren. Dies ist ein Phänomen, das besonders in der Mittelschicht, zu der ich und wahrscheinlich auch Sie gehören, sichtbar ist; ein großer Teil der Gewalt des 20.^. Jahrhundert - und auch das heutige - kommt von dieser kompakten, weitgehend schweigenden Mehrheit, die bereit ist, für die Bewahrung ihrer Errungenschaften, und seien sie noch so bescheiden, und die Erhaltung ihrer Lebensweise viel zu tun. Zusammenfassend könnte man sagen, dass Castorfs Theater versucht, auf diese Angst zu reagieren, indem es auf theatralisch erstaunliche Weise, mit Humor und großer Tonfreiheit, widersprüchliche Verhaltensweisen auf die Bühne bringt. Bezeichnenderweise findet dieses Gespräch in Lausanne statt, in einem Kanton, der einen Erlass gegen das Betteln verabschiedet hat: nicht, um das Problem durch Solidarität zu lösen, sondern um das Betteln zu verhindern. siehe, Vermeidung von Konfrontation. Das Lachen über das Schlimmste ist ein Weg, um sich selbst zu provozieren und unsere Freiheit zu testen.

Schreiben Sie dem Autor: ivan.garcia@leregardlibre.com

Titelbild: © Mathilda Omi  

*In Deutschland gibt es ein anderes Theatersystem als in Frankreich oder der französischen Schweiz, da die Stadttheater über eigene Truppen und ein Repertoire verfügen. Diese sind Teil des Repertoiresystem und werden als Stadttheater. Die Stadttheater, Die Stadttheater werden nicht vom deutschen Staat oder Land, sondern von der Stadt, in der sie ansässig sind, finanziert].