Die französische Musikwissenschaft, die in einem gewissen Dogmatismus erstarrt ist, entfernt sich vom eigentlichen Wesen der musikalischen Sprache. Dies ist zumindest die Ansicht von James Lyon. Der Musikhistoriker verteidigt in diesem Artikel seine entschieden persönliche Lesart des Fachs.
Ist die Musikwissenschaft sektiererisch? Diese Frage bedarf einer genaueren Untersuchung: Worum geht es in dieser relativ jungen Disziplin? Eines der Ziele der Musikwissenschaft ist die wissenschaftliche Untersuchung der musikalischen Sprache. Entgegen der landläufigen Meinung unterscheidet sich der Musikwissenschaftler vom Musikhistoriker. Der Musikhistoriker zieht es vor, die reine Form zu analysieren, anstatt sich einem Gedanken zu nähern.
Dennoch gilt es zu vermeiden, dass die Büchse der Pandora geöffnet wird, indem man die französische Musikwissenschaft mit der Musikwissenschaft deutschen und der musicology britisch. Die erste ist quantitativ und richtet sich hauptsächlich gegen die Vorstellungskraft in Bezug auf den kreativen Prozess, während die beiden anderen meist darauf bedacht sind, die reine Kreativität mit der qualitativen Vielfalt der Formen und ihrer Bedeutung in Verbindung zu bringen.
Genauer gesagt zeichnen sich die französischen Vertreter der Musikwissenschaft durch ihre ideologische Voreingenommenheit aus. So wird die Hymnologie - die für Deutsche und Engländer so konsequent ist - kurzerhand aus dem Weg geräumt. Die «Wissenschaft der Hymne» interessiert sie in keiner Weise. Daher führen sie auch nicht die Untersuchung einer ursprünglichen Melodie durch das «Weben» ein, das sie aus differenzierten Bräuchen und Folkloren entwickelt.
Durch diese enge Sichtweise erweist sich ihre Auffassung von Musikwissenschaft als doktrinär. Indem sie alle Dimensionen, die dem Klangausdruck innewohnen, voneinander trennen, schaden sie einer ausgewogenen und anregenden Forschung. So kommt es, dass der französischsprachige Musikwissenschaftler bei Seminaren und anderen Kolloquien meist einen kalten und sententiösen Doktoratston anschlägt.
Die Suche nach Quellen
Der Begriff «Musikwissenschaft» bezieht sich auf den Logos über die mousikē, Die Musik als «Klangmythos» wird als «Rede über die Musik» bezeichnet. Diese «Rede» reicht bis in die Anfänge der Menschheit zurück. Dennoch ist der akademische Musikwissenschaftler, wie er sich besonders im 20.e Jahrhundert, lässt die antiken Quellen bewusst außer Acht. Insbesondere vergisst er, was das «Paar» charakterisiert» Apollon-Dionysos und ignoriert dabei die vielfältigen Formen dieser beiden Gottheiten, für die die Musik eine unbestreitbare hermeneutische Bedeutung hat. Der konventionelle Musikwissenschaftler vernachlässigt noch immer alle homerischen musikalischen Bezüge. Die bedeutende Rolle des Aeden ist ihm völlig gleichgültig, wenn nicht sogar fremd. Manchmal bezieht er sich auf Nietzsches Die Geburt der Tragödie, Das ist ein Irrtum.
Wenn er versucht, sich der Symphonie zu nähern, um sie zu verstehen, ignoriert er ihre Verwurzelung in der chorós der Tragödie nach der Inspiration von Aischylos. Seine Mitglieder, die choreuten, Die Menschen, die sich in einem Raum befanden, der genau benannt wurde orchestra wo sie sich singend und tanzend zum Klang des Aulos bewegten. Die symphonische Form, wie sie sich ab dem 18. und 19. corpus Mozarts, erbte diese Quelle. Ein solch wesentliches Erbe nicht zu berücksichtigen, kann nur dem Sektierertum als einer angenommenen Beschränkung des Wissens geopfert werden.
Seit der griechischen Antike waren Intellektuelle - Mathematiker, Politiker, Dichter, Pädagogen usw. - von der Komplexität der Musik fasziniert. - waren von der Komplexität des musikalischen Universums fasziniert. Der moderne Musikwissenschaftler hingegen bevorzugt die formale Kompliziertheit, mit der er einen Jargon verbindet, der an die Grenze des Unerträglichen geht. Das reine Genie entgeht ihm. Vielmehr vernichtet er es, indem er sich in unwahrscheinlichen Details ertränkt.
Die Bedeutung der Philosophie
Der Musikhistoriker und der Musikwissenschaftler sollten sich gegenseitig respektieren und ergänzen. Dies ist jedoch selten der Fall, da sich der Musikwissenschaftler eher um die Ästhetik als um die Ethik kümmert. Der Musikhistoriker seinerseits ist idealerweise dazu berufen, den Menschen nicht von seinem Denken und seinem Werk zu trennen. In dieser Hinsicht ist die Hilfe der Philosophie besonders wertvoll, da sie eher zu Spinoza als zu Descartes tendiert. Als Leibniz die Versöhnung von Sensibilität und Vernunft propagierte, zeichnete er einen Weg vor, der ein beruhigendes Gleichgewicht zwischen dem analogen und dem logischen Intellekt herstellte.
So könnte der Musikwissenschaftler, der vielleicht wieder zur Besinnung kommt, das Wissen über die musikalische Sprache wiederherstellen und dabei die unendlichen Eigenschaften der Musik berücksichtigen. Da der offizielle Musikwissenschaftler bedauerlicherweise dem Sektierertum frönt, kann er nicht verstehen, was Klassik und Romantik vereinen sollte. Er zieht es vor, sie in pseudohistorischen Kategorien zu trennen oder gar gegeneinander auszuspielen. Um einen solchen Fehler zu vermeiden, hätte er die Schriften über Musik des fantasievollen Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. Dabei wäre er nicht in die Falle einer willkürlichen Klassifizierung getappt. Hoffmann hatte wirklich verstanden, dass die Romantik nicht strikt mit einer bestimmten Epoche verbunden ist.
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In dieser Hinsicht ist das Wiener Gegenbeispiel des Theoretikers Eduard Hanslick durchaus überzeugend. Als dogmatischer Geist nahm er nur das Konzept des formalen «Schönen» in der Musik wahr, ohne sich um den aufrichtigen Ausdruck zu kümmern. Aus diesem Grund verstand er nichts von Anton Bruckners Werk und zog ihm einseitig das von Brahms vor. Er beachtete nicht ihre Komplementarität, die für die Entwicklung einer reichen Klangdialektik notwendig ist. Eben, Musik ist nicht nur «Ausdruck von Gefühlen». Sie entwickelt eine reiche Hermeneutik auf der Grundlage der Dreiheit «Sinn - Gefühl - Empfindung».
Die Verwirrung und die Widersprüche nahmen einzigartig zu, als die Gegner der pythagoreischen Musikethik sich auf Damon und Platon stürzten. Demokrit, Philodemus und Aristoteles waren dabei die engagiertesten Figuren. Darin haben sie zahlreiche und gefürchtete Erben. Aristophanes beklagte zu Recht das Verschwinden des tragischen Chors als Folge der materialistischen und hedonistischen Tendenzen, die die metaphysische Dimension der musikalischen Sprache ablehnten. Aristoteles war der Ansicht, dass Melodien und Rhythmen keinen Wert an sich haben. Er irrte sich und öffnete die Tore für eine musikwissenschaftliche Pseudowissenschaft, die antiliberal und ein Feind natürlicher Hierarchien war. Die Ästhetik verwandelte sich dann in Ästhetik. Der Dirigent und Philosoph Ernest Ansermet verstand dies und sah sich zu seiner Zeit ebenso heftiger wie ungerechtfertigter Kritik ausgesetzt.
Die Aufgabe des Musikhistorikers
Dieser Beruf wird spannend, wenn er fruchtbare Perspektiven eröffnet, die sich wiederum auf ein existenzielles Problem beziehen. Die Arbeit und die Vorträge des Historikers sind dazu bestimmt, die verschiedenen, manchmal unerwarteten Beziehungen zu beleben. Einige haben dies mit großem Talent getan: Luigi Magnani, Walter Wiora und Enrico Fubini zum Beispiel. Mit solchen Autoren können die Verbindungen zwischen Beethovens Musik und Schellings Philosophie auf unbestimmte Zeit geknüpft werden.
Das bedeutet nicht, dass man endlose Sechzehntelnoten zerschneiden muss. Der Musikhistoriker interessiert sich natürlich für Disziplinen, die normalerweise voneinander getrennt sind: Malerei, Architektur, Literatur, Theologie und Politik. Indem er sie miteinander verbindet, möchte er in alle Kontexte der Kultur und Zivilisation einführen, denn er vermischt sie nicht. Sein Interesse an der Phylogenese der musikalischen Sprache veranlasst ihn, verstreutes und vernachlässigtes Wissen zu rekonstruieren. Er stellt überraschende Verbindungen her, wenn er versucht zu verstehen, wie sich der stalinistische Kommunismus auf Schostakowitschs Orchesterwerk ausgewirkt haben könnte.
Der luzide André Pirro hatte Recht, als er darauf hinwies, dass musikalische Werke «von Menschen, einfach Menschen, geformt wurden». Daher ist die Kenntnis der Psychologie unerlässlich. Professor Jacques Handschin brachte dies auf dem Basler Kongress 1950 erneut zum Ausdruck, als er daran erinnerte, dass Musik «ein Werk von Menschen» ist, «etwas, das von Menschen gemacht wird und das von Menschen gemacht wird». Mit seinem Konzept der Toncharakter, In seinem Buch «Der Ton» unterscheidet er zu Recht zwischen dem qualitativen «Charakter des Tons» und der quantitativen "Tonhöhe".
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Der Musikhistoriker kann manchmal mit dem Musikwissenschaftler verwechselt werden, so schwierig ist es, ein unentwirrbares Knäuel zu entwirren, das sich im Laufe der Zeit gebildet hat. Um Missverständnisse zu vermeiden, erweist sich das Beispiel des deutschen Forschers Wilibald Gurlitt als anregend. Seine Weltanschauung, Die von Wilhelm Dilthey geerbte Weltanschauung berücksichtigt die spirituelle Bedeutung der Musik als «Kulturwissenschaft».
Der Professor für «historische Musikwissenschaft», Hans Heinrich Eggebrecht, hat zu Recht den Platz der Musik «in der Individualität und Subjektivität des Menschen (des Volkes, der Epoche)» bestätigt, was «dazu führt, dass die Begriffe der Geschichtlichkeit und Besonderheit, der Originalität, der historischen und geographischen Relativität allen musikalischen Denkens, Entdeckens und Gestaltens besser kennengelernt und gefestigt werden». Eggebrecht bietet uns den befriedigendsten Abschluss einer solchen Debatte, indem er erklärt, dass die Musikgeschichte «so zum wichtigsten Teil der Musikwissenschaft wird, in ständiger Verbindung mit ihren systematischen Grundlagen und im vollen Bewusstsein der Problematik, die das Zusammentreffen von Musik, Ethnologie und Universalgeschichte aufwirft».
Musikhistoriker, James Lyon ist unter anderem Autorin eines Musikgeschichte in der Schweiz (2023, Slatkine).
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