Archives pour la catégorie Photographie

Rencontre avec Philippe Zumbrunn, l’homme le plus fou de jazz

Entretien inédit – Jonas Follonier

Cheveux blancs tirés en arrière, lunettes jaune rétro sur le nez, moustache et, si on a de la chance, cravate extravagante. Les milieux de la radio suisse-romande et du jazz le reconnaissent aussitôt. Philippe Zumbrunn, huitante-six ans, est une véritable mémoire vivante. Passionné de jazz et de radio, il est l’initiateur technique de RTN, le fondateur de Radio Framboise (et des annonces radars), mais aussi un photographe bien connu pour avoir immortalisé les grandes figures du jazz il y a plus de soixante ans. Durant tout le mois d’avril, on peut découvrir une sélection de ses plus belles photographies exposées à la Galerie YD, à Neuchâtel, dans le cadre de Jazzzed, un festival construit sur le surnom de Philippe Zumbrunn : Z. Rencontre dans les lumières sombres du Bar King à Neuchâtel.

Jonas Follonier : De quelle époque datent les photographies que vous exposez en ce moment à la Galerie YD ?

Loris S. Musumeci : Ce sont surtout les photographies de mes débuts. Pour une raison simple : ce sont les plus rares. Elles mettent en lumière des monstres du jazz, qui tous sont morts actuellement, à savoir Louis Armstrong, Billie Holiday ou encore Lionel Hampton. J’ai eu la chance de les côtoyer dans les années 1950. J’avais vingt-et-un ans lorsque j’ai pris ma première photo de jazz ; c’était en 1952. J’ai donc démarré très vite.

Cette exposition doit être importante pour vous. D’où est venue l’idée de ce projet ?

Cette exposition a d’abord eu lieu pendant trois mois à la FNAC de Lausanne. Ce fut l’événement déclencheur. Cela fait au moins trois ans que Denis Juvet, le propriétaire de la Galerie YD, me parle de son projet de monter une exposition-festival sur le jazz avec une série de concerts et de témoignages. Tout cela a mûri, et le résultat est très satisfaisant. Lire la suite Rencontre avec Philippe Zumbrunn, l’homme le plus fou de jazz

Les bases de la photographie

Le Regard Libre N° 9 – Joséphine Vuignier

Tout photographe désireux de sortir du mode automatique a dû intégrer des notions techniques de photographie avant de pouvoir jouer avec ces dernières afin de progresser et de créer les effets désirés. Ces bases techniques relèvent du domaine de la physique et de la chimie, ensuite viennent les bases académiques (règles des tiers, perspectives, etc. ). Il y a trois principes importants à prendre en compte pour commencer la photographie et avoir la bonne quantité de lumière : la sensibilité, l’ouverture du diaphragme et la vitesse d’obturation.

La sensibilité (ISO ou ASA) : Jadis, dans la photo argentique se trouvaient sur la pellicule des grains d’argent qui réagissaient à la lumière (importance de la chimie). Lorsque la lumière « frappait » les grains, ils noircissaient ; sans lumière, ils ne réagissaient pas (d’où les négatifs). Le concept reste le même lors du passage au numérique, les grains d’argent sont juste remplacés par des capteurs. Ces capteurs ou grains ont un certain taux de réaction à la lumière, indiqué par les ISO (appelé ASA sous l’ère de l’argentique). Plus les ISO sont hauts, plus les capteurs sont sensibles à la lumière, donc moins il en faudra ; au contraire, plus les ISO sont bas, moins les capteurs seront sensibles, par conséquent plus de lumière sera nécessaire. Pour un paysage au soleil fort de Barcelone, on choisira une faible sensibilité, par exemple 100 ISO pour ne pas obtenir une photo surexposée (trop claire). Pour un concert à faible éclairage, on favorisera une grande sensibilité 6400 ISO, afin que la photo ne soit pas sous-exposée (trop sombre). Le choix de la sensibilité modifie aussi le bruit (effet « pixellisé », granuleux). Si la sensibilité est faible (petit nombre), il y aura peu de bruit. A l’inverse, si la sensibilité est haute (grand nombre), il y aura plus de bruit. On privilégie donc une basse sensibilité pour les photos d’architecture où les détails sont importants. L’impact du bruit reste tout de même négligeable.

ISO 100 ISO 6400
Beaucoup de lumière Peu de lumière
Peu de bruit Beaucoup de bruit

L’ouverture du diaphragme : Le diaphragme est l’équivalent de la pupille de l’œil, il doit s’adapter à la lumière. En cas de fort ensoleillement, il faut une petite ouverture pour laisser passer moins de lumière et dans la pénombre une grande ouverture, toujours dans le but d’obtenir un résultat ni surexposé ni sous-exposé. La notation f/2 correspond à une grande ouverture, f/16 à une petite.

L’ouverture du diaphragme influence la profondeur de champ (importance de la physique), c’est à dire la zone dans laquelle le sujet de la photo sera net. Une grande ouverture (chiffre bas) crée une courte profondeur de champ. On opte donc pour ce type de réglage dans les portraits afin d’avoir un « flou artistique », ou « bokeh », à l’arrière-plan. A l’inverse, une petite ouverture (chiffre haut) crée une grande profondeur : nous l’utilisons généralement pour les paysages en vue d’une netteté sur tous les plans.

La vitesse d’obturation : Autrement appelé temps de pose ou durée d’exposition, il s’agit du laps de temps durant lequel la lumière frappe les capteurs. Si nous manquons d’éclairage, la vitesse d’obturation devra être plus longue (1’’) que s’il y a beaucoup de lumière (1/2000 sec). Ce paramètre permet de créer une impression d’immobilité ou de mouvement. Si vous voulez photographier un cycliste à vive allure et désirez l’avoir net, une vitesse rapide sera nécessaire. Si vous souhaitez un effet filé vous opterez pour un temps de pose plus long.

Lorsque vous prendrez votre prochaine photo, focalisez-vous sur l’effet que vous désirez rendre. Faites le réglage adéquat et adaptez les autres paramètres afin d’atteindre une exposition correcte. Dorénavant, vous pouvez abandonner le mode automatique et gérer avec précision le rendu de vos photos.

Crédit photo : © lhommetendance.fr